„Femme“-Rezension: Drag Queen sinnt in knalligem Thriller auf Rache

Jun 30, 2023

Sam H. Freemans und Ng Choon Pings Spielfilmdebüt „Femme“ ist sowohl ein Film unserer Gegenwart als auch längst überfällig. Es ist eine brutale Dekonstruktion der Formen des Drag, die wir alle tragen, wenn wir aus der Tür gehen. Es bringt sehr aktuelle Themen der Geschlechterdarstellung in einen Thriller-Kontext und lässt seine marginalisierten Charaktere auf eine Weise komplex sein, die weit über die Garderobe hinausgeht.

Im Grunde genommen ist Femme genau das Richtige für Sie, wenn Sie schon immer nach LGBTQ-Charakteren gesehnt haben, die sich auf dem Bildschirm schlecht benehmen. Es ist die Geschichte einer Drag Queen, die das Drehbuch zu ihrem Gay-Basher umdreht – dann werden die Dinge mit jedem Schritt bewundernswert düsterer und bringen Empathie statt Gewalt und Sanftmut aus Mitleid zum Vorschein. In einer Geschichte, die eine geradlinige Rachegeschichte hätte sein können, lehnt Femme die Geradlinigkeit zugunsten von etwas faszinierend Unordentlicherem ab.

Das ist nicht immer zum Besseren. Man könnte sich wünschen, dass in dieser Femme etwas mehr Fatale steckte. Der Ton ähnelt eher dem selbstmissbrauchenden Kino von Catherine Breillat („Anatomy of Hell“, „Abuse of Weakness“) als den grellen Exzessen von Paul Verhoeven und Sie könnten von einer Szene träumen, die an die Szene in „Showgirls“ erinnert, in der Nomi Malone verrückt spielt tritt mit Drop-Kicks in eine Hotelsuite voller Perverser. Femme zerstört solche Träume. Rache sollte immer ein kompliziertes Gericht sein, aber manchmal möchte man es einfach nur heiß servieren, weißt du?

Dennoch ist bei Femme jede Menge Schärfe zu finden. Zuerst treffen wir Jules (Nathan Stewart-Jarrett aus „Utopia und der Candyman 2021“), der als sein bühnenvernichtendes Alter Ego Aphrodite Banks verkleidet ist, ein riesiger Glamour, der mit seinem Eröffnungsauftritt die Menge in seinem örtlichen Londoner Drag-Club fast in Hysterie treibt. Innerhalb dieses Königreichs ist er Königin. Aber Femme kennt die Dunkelheit, die direkt hinter den vier kleinen Wänden sicherer Räume liegt. Als Jules – immer noch in Tracht – zum Eckladen rennt, um eine Schachtel Zigaretten zu holen, verwandelt sich die von ihm aufgebaute Rüstung der Wildheit plötzlich in ein Ziel unter brutalem Neonlicht.

Und als eine Bande kriegerischer Drogendealer, angeführt von einem tollwütigen Hund namens Preston (George MacKay aus dem Jahr 1917), es auf ihn abgesehen hat, ist Jules in die Enge getrieben und zahlenmäßig verzweifelt unterlegen. Er versucht, seine innere Aphrodite zu beschwören und so hart wie möglich etwas zurückzugeben, aber es ist kein fairer Kampf, und Jules bleibt blutend und halbnackt auf dem Bürgersteig zurück und ist bis ins Mark erschüttert.

Schnitt auf drei Monate später, und Jules verlässt seine Wohnung nicht mehr. Seine Freunde flehen ihn an, etwas von seiner früheren Kraft wiederzugewinnen, aber er kann nur genug finden, um auf der Couch Street Fighter zu spielen. Dann schafft es Jules in einer schicksalhaften Nacht endlich, den Willen aufzubringen, in die Schwulensauna zu gehen, als wer außer Preston, seinem Angreifer, durch den Dampf auftauchen sollte. Es ist eine Wendung des Schicksals, die zu wild ist, um ignoriert zu werden, also folgt Jules Preston in den Umkleideraum. Doch anstatt zurückzuschlagen, stellt Jules fest, dass etwas viel Merkwürdigeres passiert. Lasst das Fickfest beginnen.

Es wird angedeutet, dass Jules versucht, Preston in eine Falle zu locken, um eine ihrer sexuellen Begegnungen aufzuzeichnen und das Filmmaterial online zu stellen, was Preston überlistet und sein Leben zerstört. Allerdings spielt Stewart-Jarrett diese Momente äußerst knapp. Während Jules den Porno „Outing My Straight Neighbor“ googelt, ist nie ganz klar, ob er eine Handlung ausheckt oder wirklich erregt ist. Und wahrscheinlich ist es beides.

Die Beziehung zwischen Jules und Preston wird mit jedem Rendezvous komplizierter. Prestons machoistische Forderungen – zu denen auch gehört, dass Jules sich nicht „zu feminin“ kleiden soll – lösen sich allmählich auf, als Jules sich an Prestons Verteidigung vorbei drängt. Und Preston beginnt, Jules die Verletzlichkeit unter dieser jungen Frau erkennen zu lassen. Ein einfacher Kuss auf die Wange löst eine Explosion aus. Und schon bald findet sich Jules in der Machtposition wieder. Es sollte jedoch beachtet werden, dass sich ihre sexuellen Stellungen nie ändern, selbst wenn wir ihre dynamische Veränderung beobachten. Femme kennt die Kraft, die im Bottoming steckt!

Sich von Gefahren angezogen zu fühlen, ist in keiner Weise eine ausschließlich queere Eigenschaft. Fragen Sie einfach jeden Hetero-Typen, der im Film Noir betrogen wurde. Doch diese Form des sexualisierten Selbstmissbrauchs von Schwulen kommt bei Weitem nicht oft genug auf die Leinwand. Normalerweise wird uns nicht der Raum gegeben, kompliziert und kompliziert zu sein. Allzu oft werden wir entweder zu schikanierten Charakteren voller Lebensfreude und eingespieltem Anstand verbannt, wie Tom Hanks in Philadelphia, oder wir sind vollwertige Bösewichte, wie Sharon Stones mörderische Bisexuelle in Basic Instinct oder die queer codierten Bösewichte in Hitchcocks Rope oder fast jeder Disney-Animationsfilm aus den 90er-Jahren.

Zu sehen, wie eine komplizierte Person gute Entscheidungen aus schlechten Gründen und schlechte Entscheidungen aus guten Gründen trifft – und alles dazwischen – sollte für jeden der Standard sein. Alain Guiraudies Thriller „Stranger by the Lake“ aus dem Jahr 2013 bleibt vielleicht der Goldstandard in dieser düsteren Hinsicht, da seine Hauptfigur nicht anders kann, als von dem Typen angetörnt zu werden, von dem er ziemlich sicher ist, dass er alle anderen Kerle am Schwulenstrand in Serienmord umbringt seine Ausfallzeit.

Die Anziehung zu dem, was uns verunsichert, ist im gesamten Spektrum der sexuellen Orientierung universell. Und die verführerische Anziehungskraft der Gefahr wird nie ausgerottet, egal wie viele heftig geschriebene Sprüche über die Absetzung unsympathischer Charaktere in den sozialen Medien gepostet werden. Die menschliche Psychologie ist ein riskantes Geschäft. Und im besten Fall können die Filme die Laterne sein, die diese schlimmsten Impulse erleuchtet – nicht nur, um einen Weg an ihnen vorbei aufzuzeigen, sondern um diese Wünsche an und für sich zu beleuchten und einzufangen. Sie verdienen Anerkennung, wie alle menschlichen Eigenschaften. Verleugnung führt zu nichts Gutem.

Ein Thriller wie „Femme“ ist nur die tragische Kehrseite aller romantischen Komödien, in denen die Charaktere über sich selbst lügen, um cooler zu wirken und die Person, die sie lieben, für sich zu gewinnen. Hier herrscht die gleiche Spannung: Wann erfährt der andere das Geheimnis? Und wie wird sich dieser Verrat im letzten Akt auswirken? Die Bedrohung durch Gewalt ist für Jules offensichtlich größer als beispielsweise für Jennifer Garner, als Mark Ruffalo herausfand, dass sie tatsächlich 13 und 30 Jahre alt war. „Femme“ ist unsere Wohlfühlversion, bei der es um Gewalt geht, die wahr klingt. Wir alle tragen jeden Tag eine Art Verkleidung und haben alle Angst, dass wir entdeckt werden.

Während wir uns auf die große Kollision zwischen den misstrauischen Liebenden vorbereiten, überlebt die Zurückhaltung von Femme, uns einen richtigen Einblick in Jules‘ wahre Absichten zu geben, schließlich ihren Nutzen. Aber sowohl Stewart-Jarretts Leistung als auch das Drehbuch weigern sich trotzig und frustrierend, Stellung zu beziehen. Der Film ist sich darüber, was Jules will, genauso unsicher, wie Jules zu sein scheint. Ist das für ihn immer noch Rache? Oder hat sich seine Wut in eine andere Art von Leidenschaft verwandelt? Auch wenn die Gemüter aufflammen und die Fäuste fliegen, ist das Schlimmste, was Jules hervorrufen kann: „Du hast mir leidgetan.“ Der Film will es in jeder Hinsicht haben, aber seine Unentschlossenheit endet fast bei keinem von beidem.

Vielleicht haben die Filmemacher für ihren ersten Spielfilm eine zu ehrgeizige oder zweideutige Erzählung gewählt. Der letzte Akt konzentriert sich zu sehr auf die Handlung und weicht von einer intimen Charakterstudie zu einer triumphalen Rückkehr auf die Bühne, einem Geburtstagsspektakel und Freunden mit Vendetten, die öffentliche Szenen manipulieren, ab. Und um das Durcheinander noch größer zu machen, beginnt einiges davon aus Prestons Sicht erzählt zu werden, da wir Jules zuvor ausschließlich verfolgt hatten. Dann, genauso hastig, leert sich die Leinwand für unseren Showdown – mit einem Dutzend Bällen in der Luft beschließen die Filmemacher, die meisten davon irgendwohin fallen zu lassen. Dies ist eine enttäuschende Vereinfachung, da so viele frühere Entscheidungen alles andere als das waren. Die Zahnräder des Drehbuchs werden laut und übertönen die Einzelheiten.

Dennoch findet der Film eine schöne, rätselhafte Vorschlagsnote, die uns fesselt, und Stewart-Jarrett und MacKay leisten so gute Arbeit, dass sie fast die schlechtesten Teile des Drehbuchs ausbessern. Sie schaffen es, aus den zahlreichen Widersprüchen ihrer Figur einen emotionalen Sinn zu ziehen. MacKay ist in dieser Hinsicht besonders herausragend, indem er Trauma und Selbsthass in Prestons Alpha-Gehabe einfädelt; Selbst in seiner größten Verwirrung fühlt sich Preston völlig klar.

Auch wenn die Reise, auf die uns Femme mitnimmt, manchmal so zerklüftet ist wie eine Narbe, selbst wenn sie uns zusammenzucken lässt, lohnt es sich dennoch, mit dem Finger darüber zu streichen. Jeder Zentimeter, bis zu seinem bitteren Ende. Es gibt Lehren aus seiner Rauheit und der Schönheit seiner hässlicheren Teile. Und wir können noch mehr von dem Make-up, den Cut-up-Kleidern, den Kapuzenpullovern, den Polo-Shirts und den Buzzcuts lernen, mit denen sich Jules, Preston und jeder einzelne von uns maskieren. Wir denken alle, dass die Narben verschwinden, aber sie sind immer da und schreien. Und ein Griff unter die Rüstung, ein Gefühl des Fleisches darunter kann alles zunichte machen und nichts als Stoffpfützen auf dem Boden zurücklassen.

„Femme“ wurde beim Fantasia International Film Festival 2023 rezensiert, wo es seine nordamerikanische Premiere feierte.

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